IL MIO RAPPORTO CON LA PAURA


…e con chi dice che non bisogna scrivere horror

C’è sempre qualcuno — lettore, critico, autore da salotto — che prima o poi te lo dice:
“Perché scrivi horror? Perché non scrivi qualcosa di più utile, più vero, più positivo?”

A volte lo dicono con tono preoccupato, come se temessero che chi esplora le ombre abbia qualcosa di rotto dentro. Altre volte lo fanno con una punta di superiorità, come se il gotico fosse una nicchia di serie B, un esercizio estetico per gente ossessionata dal macabro.

La verità è un’altra.
Io scrivo horror perché ho paura.
E la paura, per chi scrive, è una porta. Una lama sottile che separa il reale dal possibile, il mondo visibile da quello che scorre sotto. Raccontare la paura — soprattutto quella che non si può spiegare con una diagnosi o un referto — è un atto profondamente umano.

Non scrivo per spaventare. Scrivo per esplorare.

Non c’è un solo rigo nei miei libri che voglia “piacere al pubblico horror”.
Io non scrivo di mostri. Scrivo di uomini che si scontrano con ciò che non dovrebbe esistere.
Scrivo di orfanotrofi che conservano echi, di Bibbie con pagine cucite, di sacerdoti che smettono di credere, di ispettori che trovano nei vicoli più fango che prove.

Lo faccio perché l’orrore è uno specchio.
E in questo specchio, non vedo solo finzione: vedo le crepe della nostra realtà. Vedo il bisogno disperato dell’essere umano di trovare un senso, anche quando tutto crolla.

L’horror non è un trucco narrativo. È una forma di verità.

Chi dice che il gotico sia un genere “superato” non ha mai camminato davvero per Limehouse con la nebbia nelle ossa.
Chi riduce l’horror a cliché non ha mai letto i sussurri nei corridoi vuoti di un ospedale psichiatrico chiuso da trent’anni.

Il gotico non è passato.
È una lente con cui leggere il presente, un linguaggio fatto di simboli, architetture mentali e ombre che raccontano meglio di mille cronache.

Scrivere horror, oggi, è ancora più urgente.
Perché viviamo in un mondo che anestetizza il terrore con la cronaca nera e le breaking news, senza più lasciare spazio alla riflessione, al rituale, al sacro. Scrivere gotico, per me, è un atto di resistenza.

In fondo, il Male non chiede di essere capito. Chiede di essere riconosciuto.

E il compito di uno scrittore — almeno per come lo intendo io — non è offrire soluzioni.
È porre domande che inquietano.
E poi lasciare che sia il lettore, nella nebbia, a scegliere da che parte camminare.


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L’eterna dualità dell’animo umano: “Lo strano caso del Dr. Jekyll e Mr. Hyde” come capolavoro gotico


Ci sono romanzi che non invecchiano. Non per la lingua, non per la struttura, ma per la verità disturbante che custodiscono. “Lo strano caso del Dr. Jekyll e Mr. Hyde”, pubblicato nel 1886 da Robert Louis Stevenson, è uno di questi.

In apparenza un semplice racconto di mistero e trasformazione, è in realtà un trattato gotico sull’identità, sull’ambiguità morale e sulla fragile maschera che indossiamo per vivere in società.

Il contesto: Londra come teatro del subconscio

La Londra vittoriana dipinta da Stevenson non è solo una città. È un organismo vivo, fatto di nebbie, vicoli ciechi, silenzi pesanti e case chiuse che nascondono segreti. Come in ogni buon romanzo gotico, l’ambientazione non è sfondo, ma personaggio attivo: il riflesso esterno del tumulto interiore di Jekyll e, più in generale, della società del tempo.

È in questa cornice che prende forma uno dei più grandi dualismi letterari: il medico rispettabile e il mostro reietto. Non sono due uomini. Sono lo stesso uomo. Ed è proprio qui che nasce il gotico: nell’incontro violento tra apparenza e verità.

Scienza, etica e orrore: l’alchimia del romanzo

Il Dr. Jekyll, uomo brillante e tormentato, incarna la razionalità scientifica che cerca di controllare la natura umana. Ma il suo esperimento non è solo chimica: è una discesa negli abissi della psiche. Hyde non è un mostro esterno, ma ciò che si cela in ogni uomo quando cade la maschera.

Stevenson riesce a spaventare non con creature sovrannaturali, ma con l’inquietante verosimiglianza di Hyde. Non ha artigli né poteri magici. È solo puro impulso, puro istinto, la parte animale e nichilista dell’essere umano. Ed è questo che terrorizza.

La lezione senza tempo

Il capolavoro di Stevenson ci lascia un monito: reprimere il male non lo cancella. Nasconderlo lo rende solo più forte, più subdolo. Jekyll non è un eroe, ma un uomo che ha creduto di poter controllare l’incontrollabile. E ha perso.

“Jekyll e Hyde” è un romanzo che ancora oggi risuona con forza. Parla del narcisismo delle buone intenzioni, della fragilità morale, della violenza che può abitare anche in chi si crede giusto. È, in definitiva, una parabola sull’animo umano che usa la forma del gotico per scavare molto più in profondità.

Un classico immortale. E, forse, il più moderno di tutti.


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“Show, don’t tell” – Come usare i sensi per evocare invece di spiegare


Uno degli errori più frequenti nei testi degli autori emergenti è quello di raccontare troppo e mostrare poco. Non per inesperienza, ma per una forma di insicurezza: si ha paura che il lettore non capisca. E così si spiega tutto. Il risultato? Una narrazione piatta, poco immersiva, dove il lettore assiste passivamente invece di vivere la storia.

La regola d’oro è: “Show, don’t tell”. Ma cosa significa davvero?

Raccontare è dire:

“Era nervoso.”

Mostrare è evocare:

“Tamburellava le dita sul tavolo, evitando di incrociare lo sguardo di chiunque.”

Nella prima frase l’autore ci dà una diagnosi. Nella seconda, ci costringe a osservare, a entrare nella scena, a dedurre lo stato d’animo.

La chiave? I sensi.

Il lettore va guidato con suggestioni sensoriali, non con etichette. Vuoi mostrare la paura? Descrivi le mani fredde, il respiro corto, l’odore della muffa che sembra più intenso, l’orologio che ticchetta troppo forte nel silenzio.

La mente visualizza ciò che tocca, ascolta, odora, vede e assapora.
La scrittura efficace non dice: “La stanza era inquietante.”
Dice: “La carta da parati si staccava a strisce, mostrando chiazze scure come lividi. Un odore metallico stagnava nell’aria.”

Allenare lo “show” nella scrittura

  • Sostituisci aggettivi con dettagli: non “vecchia casa”, ma “travi annerite e finestre sbarrate”.
  • Evita di dire le emozioni: mostrale attraverso reazioni fisiche, gesti, silenzi.
  • Non abusare dei dialoghi esplicativi: lascia che siano le pause, i non detti e gli sguardi a parlare.
  • Evita i verbi di pensiero (sentiva, pensava, capiva) se puoi mostrarne le conseguenze.

In conclusione

“Show, don’t tell” non è una regola assoluta, ma uno strumento. E come ogni strumento, va usato con intelligenza. Talvolta dire è più efficace. Ma saper mostrare è ciò che distingue una penna scolastica da una penna narrativa.


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Il confine tra verità storica e licenza narrativa


Quando si scrive partendo da fatti realmente accaduti – come nel caso dei miei saggi narrativi su Ed Gein, Lizzie Borden o i casi dimenticati dell’Inghilterra vittoriana – si cammina su una linea sottile: quella che separa la verità storica dalla necessità narrativa.
Una linea che può diventare lama, se non si maneggia con attenzione.

La verità: punto di partenza, non di arrivo

La Storia ci offre frammenti: atti processuali, testimonianze, articoli di giornale, verbali lacunosi, dettagli clinici. Ma non sempre ci racconta tutto. Non ci dice cosa provava un assassino nel silenzio della sua stanza, né quali parole non dette hanno cambiato il corso di una confessione.
È qui che interviene lo scrittore.

Quando affronto un personaggio storico come Ed Gein, parto da ciò che è verificabile: date, perizie, cronache. Ma dove la documentazione tace – ed è inevitabile che accada – scelgo di evocare, non di inventare. Creo verosimiglianza, non finzione pura.

Verosimile non significa falso

Un lettore attento percepisce la differenza tra chi inventa una scena per spettacolarizzare e chi invece costruisce un ponte narrativo dove le fonti non arrivano. Ad esempio, se riporto un dialogo tra Ed Gein e un investigatore, non lo sto “inventando”: sto traducendo in forma narrativa ciò che il contesto suggerisce, le emozioni ricostruite, la tensione psicologica reale.
La finzione, in questi casi, è uno strumento di comprensione, non una bugia.

Licenza narrativa: quando è legittima?

La licenza narrativa diventa legittima solo quando non altera i fatti storici fondamentali.
Non cambierei mai una data di omicidio, non inventerei mai un crimine non accaduto, né attribuirei a un personaggio reale parole che stravolgano il senso del suo vissuto.

Tuttavia, posso scegliere di ambientare una scena in una stanza vuota e silenziosa anche se il verbale non la descrive. Posso usare immagini, suoni, atmosfere, per far emergere una verità emotiva che i documenti non sanno raccontare. È questa la forza della narrazione storica fatta con rispetto.

Perché scrivo così?

Perché credo che la memoria vada tramandata, non archiviata.
Perché un lettore, leggendo Il Culto della Madre o i miei racconti gotici ambientati nel 1888, deve sentire l’odore del tempo, il peso delle decisioni, il sussurro delle parole non dette.

E anche perché il mio compito non è giudicare, ma riportare alla luce. Con rispetto, profondità, e – quando necessario – con la delicatezza dell’immaginazione.


Vuoi scoprire come ho trasformato i verbali autentici del caso Ed Gein in una narrazione che non dimentica le vittime ma interroga chi legge?
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L’orrore del silenzio: cosa ci dice la casa di Ed Gein su di lui


Nel cuore rurale del Wisconsin, tra i campi ghiacciati di Plainfield, sorgeva una delle case più sinistramente celebri della storia americana. Non era un castello gotico, né una villa vittoriana infestata. Era una fattoria ordinaria, isolata, silenziosa. Eppure, al suo interno, il tempo si era fermato. Come un mausoleo, come un altare.
Era la casa di Ed Gein.

Le stanze chiuse: una madre che non muore mai

Dopo la morte di Augusta Gein, sua madre, Ed chiuse a chiave intere sezioni della casa: le stanze dove lei dormiva, leggeva la Bibbia, cucinava. Nessuno doveva toccarle. Nessuno doveva profanare quel tempio privato. Polvere, muffa, e un silenzio teso come una messa non celebrata. Il resto dell’abitazione invece divenne un cimitero vivo: resti umani trasformati in oggetti, pareti macchiate, odore di decomposizione e ammoniaca.

Non fu solo un gesto ossessivo: fu un tentativo di sospendere il lutto, di fermare la morte. Mummificare lo spazio per mummificare la madre.

La pelle come coperta: manipolare l’identità

All’interno della casa furono trovati oggetti che sfiorano il simbolico e sprofondano nell’indicibile: maschere di pelle umana, sedie rivestite di derma, ciotole ricavate da crani, labbra cucite su tende. Ogni oggetto parlava un linguaggio segreto, ancestrale.
Ed Gein non voleva solo uccidere. Voleva diventare qualcosa. Voleva indossare l’identità perduta della madre.
Un desiderio arcaico e cannibalico: non un travestitismo sessuale, ma un travestimento psichico.

Il linguaggio dell’orrore domestico

Tutto in quella casa urlava, ma nel più assoluto silenzio. Non vi erano scritte, né manifesti, né simboli esoterici. Solo oggetti.
Ogni oggetto aveva un posto preciso, come nel rituale di una liturgia. Ogni frammento umano sembrava non gettato a caso, ma disposto con devozione.
La casa divenne così un corpo, e Ed Gein il suo sacerdote.

Una domanda finale

Non c’è bisogno di inventare mostri quando l’orrore abita la casa accanto.
La vera domanda è: quanto silenzio possiamo sopportare prima che qualcosa si spezzi?


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Come scrivere in modo immersivo: atmosfere, dettagli sensoriali e costruzione del mondo


Una buona trama è ciò che spinge il lettore a voltare pagina.
Ma è l’atmosfera a farlo rimanere.

La scrittura immersiva è ciò che distingue un testo leggibile da un romanzo che lascia il segno. È l’arte di evocare un mondo con parole precise, suggestioni sensoriali e coerenza interna. Non si tratta solo di “descrivere”, ma di costruire un’esperienza in cui il lettore dimentica di star leggendo.

1. Atmosfera prima della scena

Ogni scena dovrebbe avere una tonalità emotiva ben precisa prima ancora di cominciare: inquietudine, sacralità, nostalgia, tensione.
Chiediti: che sensazione voglio far provare al lettore prima ancora che succeda qualcosa?
L’atmosfera guida la scelta dei verbi, dei dettagli, dei colori, persino del ritmo della frase.

Nella mia saga “L’Archivio Blackwood”, una nebbia che non si dirada mai non è solo ambientazione: è un simbolo persistente del non detto, dell’occulto che circonda ogni indagine.


2. La regola dei 3 sensi

Ogni scena immersiva dovrebbe toccare almeno tre sensi, anche senza farlo esplicitamente.
Oltre a ciò che si vede, il lettore deve sentire, annusare, tremare, inorridire, avere sete o fame, tastare la pietra fredda sotto le dita.

Un corridoio buio non è solo buio:

  • l’aria sa di umido e di ruggine,
  • il pavimento cede a ogni passo,
  • in fondo si sente un singhiozzo trattenuto.

Questi piccoli indizi creano immersione senza spiegare nulla.


3. La costruzione del mondo è invisibile

Il “mondo” in cui si muove la tua storia non deve essere spiegato, ma assorbito.
Più riesci a mostrare la quotidianità del tuo universo narrativo, meno il lettore sentirà il bisogno di un manuale d’istruzioni.
Anche se scrivi una saga gotica nel 1888, non devi ogni volta dire “all’epoca non c’era la luce elettrica”: lo fai capire con una candela spenta, un fiammifero tremante e una finestra chiusa per non far entrare il gelo.

Ogni dettaglio deve servire alla storia e al mondo.
Una frase non è mai solo decorativa, se costruita con attenzione.


4. Ritmo e immersione: un equilibrio delicato

L’immersione non deve rallentare la narrazione.
Il segreto è dosare: descrivi come se stessi zoomando, partendo da una sensazione generale fino a un dettaglio specifico, poi subito torni alla narrazione.

Esempio:

La stanza odorava di legno antico e spezie. C’erano quaderni sparsi sul tavolo, ma uno solo era ancora aperto. Sopra, un nome inciso con la punta di una lama: Blackwood.


Scrivere in modo immersivo è una scelta precisa, fatta di disciplina e ascolto.
Non si tratta di scrivere di più, ma di scrivere meglio, sapendo che ogni parola può costruire un mondo.

È questo il tipo di scrittura che cerco nei miei libri.
Ed è questo che insegno anche nei miei corsi, manuali e servizi editoriali.

Se vuoi scoprire di più, esplora i miei progetti.


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Perché non credo nelle Case Editrici a pagamento


Il mondo editoriale italiano è un territorio complesso, pieno di sfumature e zone grigie. Negli ultimi anni, sempre più autori e autrici che incontro mi raccontano la stessa esperienza: una Casa Editrice risponde entusiasta al manoscritto… ma aggiunge una richiesta economica per procedere. È qui che inizia il mio personale punto di vista, maturato negli anni e con diversi contratti editoriali alle spalle.

Non ho mai avuto pregiudizi verso nessuno, ma ho imparato a riconoscere certe dinamiche. E oggi posso dirlo con serenità: non sono favorevole alle Case Editrici a pagamento.


1. Quando l’autore paga, il rischio sparisce

L’editoria tradizionale funziona così:
la CE investe su un testo perché ci crede.
Se il libro vende, guadagnano entrambi. Se non vende, è l’editore ad assumersi il rischio, non l’autore.

Nelle CE a pagamento, invece, questo principio fondamentale crolla.

L’autore paga per pubblicare, la CE incassa a prescindere, il rischio di mercato non esiste.

E quando non esiste rischio, svanisce anche la vera selezione editoriale. A quel punto, la CE non deve più scegliere il “miglior libro”, ma semplicemente un libro che accetti di finanziare la pubblicazione.


2. Un libro accettato solo perché “paga”

non è un libro creduto davvero

Una CE che seleziona senza rischio d’impresa è una CE che spesso si limita a “prendere tutto”, purché arrivi l’assegno.
La qualità del testo, la storia, lo stile, la struttura… finiscono in secondo piano.

L’autore, però, vive l’esperienza esattamente al contrario:
pensa di essere stato scelto per la qualità.
In realtà, è stato scelto per il preventivo.

Questa è la prima grande illusione che voglio evitare a me stesso e a chi mi segue.


3. Il valore dell’editing professionale

Una CE tradizionale investe tempo, editor, impaginatori, grafici, ufficio stampa.
L’autore non paga per questo: lo riceve perché l’editore ha deciso che il libro lo merita.

Nelle CE a pagamento spesso l’editing è minimo, o inesistente, o venduto come “extra”.
E soprattutto non c’è alcun reale incentivo a farlo bene, perché gli incassi arrivano comunque.


4. La distribuzione non è quella che sembra

Molte CE a pagamento promettono “distribuzione nazionale”.
La realtà?
Spesso significa solo la possibilità di ordinare il libro su richiesta, non la reale presenza in libreria.

Un libro che entra davvero nelle librerie fisiche richiede un lavoro editoriale, promozionale e commerciale che nessuna CE senza rischio d’impresa può sostenere davvero.


5. Il rispetto del lettore e dell’autore

Credo profondamente che il lettore meriti libri selezionati per qualità, non per disponibilità economica dell’autore.
E credo che gli autori meritino un percorso onesto, trasparente, basato sul merito.

Pubblicare deve essere un atto di coraggio, certo.
Ma non dovrebbe mai essere un atto di pagamento.


6. La mia scelta: meritocrazia e professionalità

Negli ultimi mesi ho avuto la fortuna di firmare tre contratti editoriali importanti:

  • Bookabook
  • Saga Edizioni
  • Delos Digital

Ognuna di queste realtà ha scelto i miei testi per valore, non per un preventivo.
Nessuna ha chiesto contributi economici.
Nessuna ha promesso miracoli.
Tutte hanno fatto ciò che un editore serio fa: valutano, selezionano, investono.


In conclusione

Le CE a pagamento non sono “il male”, e non voglio demonizzare nessuno.
Ma non sono un modello in cui credo.
Preferisco un percorso più lento, più difficile, ma basato sul merito:
dove un libro viene scelto perché vale, e non perché l’autore può permettersi di finanziare la pubblicazione.

L’editoria è un’arte, non un tariffario.

E chi scrive merita verità, non illusioni.


Il mio nuovo Manuale di Scrittura Creativa Avanzata: un viaggio dentro la narrativa


Ci sono libri che si scrivono perché “servono” e libri che si scrivono perché diventano inevitabili.
Il Manuale di Scrittura Creativa Avanzata – Per scrivere narrativa appartiene alla seconda categoria: nasce da anni di studio, pratica, errori, riscritture, letture e confronti con altri autori e autrici. È, in qualche modo, il distillato del mio percorso narrativo.

Non è un manuale teorico.
Non è un insieme di regole astratte.
È uno strumento pratico, costruito per chi desidera davvero migliorare la propria scrittura e affrontare la narrativa con mentalità professionale.

Un manuale pensato per chi scrive davvero

In queste pagine troverai ciò che ogni autore, soprattutto agli inizi, vorrebbe avere tra le mani:

  • come sviluppare una storia in modo solido
  • come costruire personaggi tridimensionali
  • come lavorare sulle scene, sul ritmo e sulla tensione narrativa
  • come utilizzare il linguaggio in modo più consapevole
  • come evitare gli errori che, spesso, frenano chi inizia
  • come impostare davvero un romanzo
  • come ragionare da scrittore e non solo da appassionato

È un libro diretto, concreto, senza fronzoli.
Un compagno di viaggio, più che un docente.

Un percorso che continua: contenuti esclusivi in arrivo

Il manuale è solo il primo passo.
Tra pochi giorni sul mio sito ufficiale comparirà una nuova sezione dedicata interamente agli strumenti pratici per chi scrive.

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Lì troverai documenti inediti che sto preparando: schemi, tabelle, impostazioni di capitolo, risorse tecniche e materiali utili per ogni fase della scrittura creativa.
Saranno disponibili singolarmente e, più avanti, anche in bundle con il manuale, per chi desidera una guida completa e strutturata.

Un ringraziamento

Questo progetto esiste grazie alla fiducia di chi mi legge, di chi segue i miei romanzi, le mie analisi, i miei studi.
Ogni pagina nasce da un dialogo continuo con voi.

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Il viaggio nella scrittura continua.
E questa volta, più attrezzati che mai.


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L’Editing è un Esorcismo


Dietro le quinte della revisione di Il Vangelo delle Ombre

Scrivere è evocare.
Ma editare… è esorcizzare.

Nel momento in cui un romanzo viene terminato, l’autore si illude che l’opera sia finita. Ma non è che l’inizio. Come uno spirito inquieto appena evocato, il testo grezzo si agita, si contorce, si sporca di ripetizioni, incoerenze, e dettagli non necessari.
È vivo, ma non è ancora “pronto”.

Ecco dove inizia l’arte oscura dell’editing.


Prima fase: L’autopsia

La prima lettura post-stesura dev’essere spietata.
Nel mio caso, mentre rileggo Il Vangelo delle Ombre, evidenzio:

  • Ridondanze che spezzano il ritmo.
  • Dialoghi che possono essere resi più incisivi o realistici.
  • Descrizioni troppo astratte o non abbastanza sensoriali.
  • Temi da rafforzare in coerenza con la visione gotica generale.

A questo stadio, non correggo nulla. Mi limito a indagare il cadavere narrativo. Lo studio, lo analizzo. Lascio che mi parli.


Seconda fase: Il bisturi narrativo

Inizia poi il lavoro chirurgico:

  • Tagli netti di frasi che non aggiungono tensione.
  • Riformulazioni più forti in apertura di capitolo.
  • Aggiunta di “tracce sotterranee”, ovvero piccoli indizi disseminati per dare profondità alla trama e anticipare il colpo di scena.
  • Correzione di coerenza interna: luoghi, orari, atteggiamenti dei personaggi.

Il mio obiettivo?
Non “abbellire”. Ma togliere il superfluo per lasciar emergere l’essenziale. Come uno scultore che libera la forma nascosta nel marmo.


Terza fase: L’editing è psicologia

Ogni personaggio ha una voce.
L’editor (anche quando coincide con l’autore) deve entrare nella psiche di ciascuno:

  • Se Blackwood usa una certa forma di sarcasmo, deve farlo sempre.
  • Se Monroe ha un certo ritmo nei dialoghi, va rispettato.
  • Se un villain insinua il dubbio, lo fa in ogni scena, anche solo con uno sguardo o una pausa.

L’editing, a questo livello, diventa teatro invisibile.


Quarta fase: La lettura ad alta voce

Il passaggio più potente: leggere tutto a voce alta.

  • Se inciampo, c’è un problema di ritmo.
  • Se una frase “non suona”, vuol dire che è artificiale.
  • Se un paragrafo scorre troppo liscio… forse manca tensione.

Il gotico è ritmo, atmosfera, respiro. E la voce lo rivela.


Conclusione: Perché tutto questo?

Perché un libro, prima di essere pubblicato, deve passare attraverso il fuoco. L’editing non è una correzione: è un rito di purificazione.
Serve a liberare il testo da ciò che non serve, per lasciar brillare ciò che conta davvero: il cuore della storia.

Ora, mentre continuo a revisionare Il Vangelo delle Ombre, so che ogni parola limata, ogni dialogo riscritto, ogni descrizione ripensata…
non è tempo perso.

È parte del patto.


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Dracula – Il respiro oscuro che ancora ci osserva


Ci sono romanzi che non si leggono: si attraversano. Come una soglia. Come una nebbia. Dracula di Bram Stoker è uno di questi. Pubblicato nel 1897, è più di un classico gotico: è un’eco persistente, un cuore nero che ancora pulsa tra le pagine della narrativa contemporanea.

Leggerlo oggi, dopo aver scritto tre volumi dell’Archivio Blackwood, è come tornare in una casa che non avevo mai lasciato del tutto.
La Londra crepuscolare, i telegrammi frettolosi, le carrozze nella nebbia e i cancelli cigolanti che celano verità indicibili: tutto è già lì.
Ma non è solo l’estetica a rendere Dracula eterno. È l’angoscia sottile, la tensione tra ciò che si vede e ciò che si intuisce.
Stoker non ci mostra mai troppo. E proprio per questo, il terrore si insinua più in profondità.

Il diario come trappola

Stoker costruisce il suo romanzo come un mosaico di lettere, diari, articoli di giornale. Un frammento alla volta, come se il lettore fosse costretto a decifrare un enigma. È un trucco narrativo che nella mia saga ho reinterpretato nei “Dossier Blackwood”, i documenti proibiti, i manoscritti ritrovati, le lettere occultate.
Non è solo una scelta stilistica: è un modo per rendere il lettore partecipe, complice, colpevole.

Il vampiro come simbolo

Dracula non è solo un vampiro. È il simbolo di ciò che non possiamo controllare. È il caos che si infiltra in una società vittoriana ossessionata dall’ordine e dalla ragione. Nella mia saga, questo “caos” prende forme diverse: il Viaggiatore, le possessioni, i culti antichi.
Ma la radice è la stessa: il Male non ha solo zanne o artigli. A volte ha una voce gentile, un invito sussurrato nella notte.

Dal Castello ai Vicoli

Se il castello di Dracula è un’archetipo del terrore isolato, la mia Londra gotica è l’orrore che vive in mezzo a noi.
È nei vicoli di Limehouse, nei cimiteri abbandonati, nelle canoniche in rovina.
Dracula ha insegnato a molti autori che il Male può viaggiare in nave, prendere una stanza in affitto, camminare accanto a noi.
Con Blackwood, ho voluto spingermi oltre: il Male può indossare un abito talare, sedere in Parlamento, o dormire sotto la nostra stessa casa.


Perché rileggere Dracula oggi

Perché è un libro che non muore mai.
Perché ci ricorda che il gotico non è un genere, ma uno stato dell’anima.
Perché ogni generazione trova in quelle pagine un nuovo tipo di paura.
E perché ogni scrittore, prima o poi, deve tornare alla cripta dove tutto è iniziato.


Se amate Dracula, le atmosfere cupe e i misteri irrisolti, vi invito a scoprire la mia saga gotica ambientata nella Londra del 1888.


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