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I POV nella narrativa: perché contano più della trama

su da Claudio BLascia un commento

Quando si parla di narrativa, si tende a concentrarsi sulla storia: cosa succede, chi muore, chi vince, quale segreto viene svelato.
Ma spesso ciò che determina se un romanzo funziona o meno non è cosa viene raccontato, bensì da dove lo si racconta.

Qui entrano in gioco i POV, i Point of View.

Cos’è davvero un POV

Il POV non è solo una scelta tecnica.
È una posizione emotiva e percettiva.

Stabilisce:

  • cosa il lettore può sapere
  • cosa deve ignorare
  • quanto è vicino o distante dai personaggi
  • quanto può fidarsi di ciò che legge

Ogni storia viene filtrata. Il POV decide attraverso quale lente.

A cosa serve scegliere (bene) un POV

Un buon POV serve a:

  • creare empatia (o distanza)
  • controllare la tensione
  • dosare le informazioni
  • guidare il ritmo emotivo della scena

Un POV sbagliato, invece, fa l’effetto opposto: confonde, appiattisce, rende tutto “raccontato” invece che vissuto.

Molti manoscritti non hanno veri problemi di trama.
Hanno un problema di punto di vista incoerente o mal gestito.

Un POV non è neutro

Ogni POV è una scelta narrativa precisa:

  • un POV interno avvicina, ma limita
  • un POV esterno amplia, ma raffredda
  • un POV multiplo arricchisce, ma richiede controllo

Non esiste il POV “migliore” in assoluto.
Esiste quello più adatto a quella storia.

Il punto è questo: il lettore non legge i fatti.
Legge come qualcuno li percepisce.

Il problema più comune

Uno degli errori più frequenti è cambiare POV senza rendersene conto:

  • una frase troppo informata
  • un’emozione che il personaggio non dovrebbe conoscere
  • uno sguardo che scivola da una testa all’altra

Sono dettagli piccoli, ma il lettore li avverte.
E quando li avverte, l’immersione si rompe.

POV e maturità narrativa

Saper usare il POV non significa conoscerne i nomi tecnici.
Significa sapere cosa stai togliendo al lettore, non solo cosa gli stai dando.

La maturità narrativa passa spesso da qui: dal controllo dello sguardo, non dalla complessità della trama.

Approfondimento

Se stai lavorando a un manoscritto e senti che “qualcosa non torna”, spesso il problema non è la storia ma il punto di vista.

Puoi richiedere una valutazione professionale del tuo testo qui:
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Uno sguardo esterno serve proprio a questo: individuare ciò che dall’interno non si vede più.

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Descrivere il male senza nominarlo

su da Claudio BLascia un commento

Tecniche di allusione e silenzio narrativo

C’è un errore comune nella scrittura horror, gotica e psicologica: credere che il male debba essere mostrato per funzionare.
Nomi, spiegazioni, definizioni, categorie. Demone, mostro, assassino, entità. Tutto chiarito, tutto ordinato.
E proprio lì, spesso, la tensione muore.

Il male, in narrativa, non è potente quando viene spiegato.
È potente quando si avverte prima di essere compreso.

Il male come assenza, non come presenza

Uno dei principi più efficaci è questo:
il male funziona meglio quando manca qualcosa, non quando c’è qualcosa in più.

Una stanza troppo silenziosa.
Una frase interrotta.
Un personaggio che evita un dettaglio, senza spiegare perché.

Il lettore è un organismo interpretativo. Se gli togli il compito di interpretare, lo rendi passivo. Se lo costringi a colmare un vuoto, lo rendi complice.

Il male, allora, non entra in scena.
Si annuncia attraverso ciò che non viene detto.

Allusione: dire meno per far sentire di più

Alludere non significa essere vaghi.
Significa scegliere cosa non dire con precisione chirurgica.

Un esempio semplice:

“C’era qualcosa sotto il letto.”

È una frase debole, generica. Nomina il mistero senza costruirlo.

Molto più efficace è:

“Non guardò sotto il letto. Non quella notte.”

Qui non c’è alcuna creatura.
Eppure il lettore la immagina.

L’allusione funziona perché attiva l’immaginazione personale, che è sempre più disturbante di qualunque descrizione standardizzata.

Il silenzio narrativo come strumento attivo

Il silenzio, in narrativa, non è uno spazio vuoto.
È uno spazio carico di senso.

Può essere:

  • un dialogo che si interrompe prima della risposta,
  • un documento mancante,
  • un ricordo che il personaggio evita,
  • una scena che salta il momento “chiave”.

Molti autori hanno paura del silenzio perché temono di perdere il lettore.
Accade l’opposto: il silenzio lo trattiene.

Il lettore resta, perché vuole capire cosa non gli è stato concesso.

Non nominare significa non addomesticare

Dare un nome al male è rassicurante.
Trasforma l’ignoto in qualcosa di gestibile.

Quando nomini:

  • definisci,
  • classifichi,
  • chiudi.

Quando non nomini:

  • lasci aperto,
  • instabile,
  • irrisolto.

Ed è proprio lì che nasce l’inquietudine duratura.
Quella che resta dopo la lettura, non solo durante.

La fiducia nel lettore

Scrivere per allusione e sottrazione richiede una cosa fondamentale: fiducia.

Fiducia nel fatto che il lettore:

  • capisca senza spiegazioni,
  • senta senza etichette,
  • ricostruisca senza essere guidato per mano.

È una scrittura meno appariscente, ma più profonda.
Meno rumorosa, ma più persistente.

Non cerca lo shock immediato.
Cerca la traccia che rimane.

Se vuoi approfondire queste tecniche — dalla sottrazione narrativa alla costruzione della tensione, dal punto di vista al controllo dell’informazione — sul sito trovi, oltre al manuale completo, sezioni tematiche scaricabili singolarmente, pensate per lavorare su aspetti specifici della scrittura senza affrontare subito l’intero percorso.

Tutti i materiali sono qui:
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Il ritmo invisibile: perché alcune scene “tirano” e altre no

su da Claudio BLascia un commento


Frase, paragrafo, respiro.
C’è una differenza sottile — ma decisiva — tra una scena che il lettore attraversa senza accorgersene e una che lo costringe a rallentare, rileggere, perdere tensione.
Quella differenza non sta quasi mai nella trama.


Sta nel ritmo invisibile.


Il ritmo non è velocità.
Il ritmo è controllo.

Il mito della scena “lenta”

Quando un autore dice: «Questa scena è lenta», di solito sta sbagliando diagnosi.
Una scena può essere lenta e funzionare benissimo.
Può essere statica, riflessiva, persino silenziosa, e tenere il lettore incollato.


Il problema non è la lentezza.
Il problema è la perdita di tensione interna.


Una scena “che non tira” è una scena in cui il lettore smette di respirare con il testo.

Il primo livello del ritmo: la frase

La frase è l’unità minima del ritmo.
– Frasi lunghe e complesse dilatano
– Frasi brevi e secche contraggono
– Alternarle crea movimento
– Usarne una sola modalità crea stanchezza


Il punto non è scrivere corto o lungo.
Il punto è sapere perché stai usando quella frase, in quel momento.


Un errore comune è spiegare con frasi lunghe ciò che dovrebbe essere percepito con frasi brevi.
Il lettore lo sente, anche se non sa dirlo.

Il secondo livello: il paragrafo

Il paragrafo è una pausa, non un contenitore.

Ogni paragrafo dovrebbe avere una funzione precisa:


– far avanzare un’azione
– introdurre un’informazione
– creare disagio
– rallentare prima di un evento


Quando un paragrafo fa “tutto”, non fa niente.
Quando un paragrafo è troppo lungo, il lettore perde il punto di appoggio.


Una scena che tira è fatta di paragrafi che respirano, non di muri di testo.

Il terzo livello: il respiro della scena

Qui arriviamo al cuore.
Ogni scena ha un suo respiro interno:


– entra
– si tende
– cambia qualcosa
– esce
Se una scena non cambia nulla — anche solo emotivamente — è una scena morta.Se cambia troppo, senza preparazione, è una scena forzata.


Il ritmo invisibile nasce quando ogni battuta, gesto o pensiero arriva un attimo prima o un attimo dopo, mai esattamente quando il lettore se lo aspetta.

Perché alcune scene “tirano”

Una scena funziona quando:


– il lettore sente che qualcosa sta per accadere
– ma non sa esattamente cosa
– e il testo non glielo anticipa
– né lo ritarda inutilmente


Il ritmo è la gestione dell’attesa.
Chi sbaglia ritmo spesso scrive scene corrette, ben costruite, persino eleganti…
ma senza tensione.
E senza tensione, il lettore se ne va.

Il ritmo non si impara leggendo regole

Si impara sentendo dove il testo si spezza.
E questo è uno dei punti più difficili da vedere da soli: l’autore conosce già la scena, il lettore no.
Per questo il ritmo è uno degli aspetti che emergono meglio in una valutazione esterna consapevole, non in una semplice correzione.


Se vuoi lavorare seriamente su questo aspetto — e capire perché alcune tue scene funzionano e altre no — qui trovi il mio servizio di analisi narrativa dedicato agli autori emergenti:

Servizio di valutazione manoscritti
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Non per dirti come scrivere.

Ma per mostrarti dove il testo respira e dove trattiene il fiato.


In conclusione
Il ritmo invisibile non si vede.
Si sente.


Quando funziona, il lettore non pensa allo stile.
Non pensa alla tecnica.
Va avanti.


E quando una scena “tira”, non è mai per caso.

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Quando una storia smette di essere tua

su da Claudio BLascia un commento

Il momento in cui il testo prende decisioni che l’autore non controlla più

C’è un momento, durante la scrittura, che non viene quasi mai dichiarato apertamente. Non perché sia raro, ma perché è scomodo da ammettere: il momento in cui la storia smette di obbedirti.

Non è ispirazione.
Non è “flusso”.
Non è nemmeno talento.

È qualcos’altro. È il punto in cui il testo inizia a rifiutare le scorciatoie.

All’inizio, una storia è sempre sotto controllo. L’autore decide cosa succede, chi parla, dove andare a parare. Anche quando improvvisa, lo fa da una posizione di dominio: può cambiare idea, tornare indietro, sistemare. La storia è materia grezza, ancora docile.

Poi, se il lavoro è stato fatto bene, succede qualcosa di diverso.

Una scena che non vuole chiudersi come avevi previsto.
Un personaggio che rifiuta una battuta “furba”.
Un finale che funziona solo se rinunci a spiegare.

In quel momento la storia non è più tua.
Non perché abbia una volontà mistica, ma perché ha acquisito una coerenza interna più forte delle tue intenzioni.

Ed è qui che molti autori si fermano. O peggio: forzano.

Forzare una storia significa ricordarle chi comanda. Significa imporre una soluzione elegante quando la situazione è sporca. Inserire una frase brillante perché “ci sta bene”, anche se rompe il tono. Spiegare un passaggio perché temi che il lettore non capisca, anche se capire non era il punto.

Quando una storia smette di essere tua, comincia a chiederti una cosa precisa: rinuncia.

Rinuncia al controllo totale.
Rinuncia all’effetto.
Rinuncia alla versione che ti fa sentire intelligente.

Non è una perdita. È una selezione naturale.

Le storie che sopravvivono sono quelle che hanno superato l’ego dell’autore. Quelle che non servono a dimostrare qualcosa, ma a reggere qualcosa. Ambiguità, tensione, incompletezza. Tutto ciò che non si lascia chiudere in una formula rassicurante.

Il lettore, contrariamente a quanto si crede, riconosce questo passaggio. Anche se protesta. Anche se dice “non mi è piaciuto il finale” o “avrei voluto sapere di più”. Lo riconosce perché sente che il testo non sta più chiedendo approvazione. Sta semplicemente esistendo.

Una storia ancora “dell’autore” cerca consenso.
Una storia che non lo è più chiede solo di essere attraversata.

E qui c’è il paradosso più difficile da accettare: scrivere bene significa, a un certo punto, smettere di scrivere come autore e iniziare a scrivere come testimone. Non di fatti reali, ma della logica che hai messo in moto.

Se una scena ti mette a disagio, probabilmente è quella giusta.
Se una soluzione ti sembra troppo pulita, probabilmente è falsa.
Se il testo ti sta togliendo sicurezza, probabilmente sta funzionando.

Quando una storia smette di essere tua, non diventa migliore per forza. Ma diventa vera nel suo perimetro. E questo è l’unico tipo di verità che la narrativa può permettersi.

Il resto è controllo.
E il controllo, in letteratura, è quasi sempre un sintomo di paura.

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La differenza tra atmosfera e descrizione lunga (che annoia)

su da Claudio BLascia un commento

C’è una confusione molto diffusa nella scrittura narrativa: si pensa che più si descrive, più si crea atmosfera. È falso.
Anzi, spesso accade l’opposto: più si accumulano dettagli, più il lettore si allontana.

L’atmosfera non è quantità. È selezione.

Cos’è davvero l’atmosfera

L’atmosfera è una sensazione persistente che accompagna il lettore mentre legge.
Non nasce da ciò che mostri tutto, ma da ciò che suggerisci, da ciò che lasci incompleto, irrisolto, sospeso.

È il freddo che senti senza che qualcuno ti dica “faceva freddo”.
È l’inquietudine che cresce senza che venga mai nominata.

L’atmosfera lavora sotto la superficie del testo, non sopra.

Cos’è invece la descrizione lunga

La descrizione lunga è spesso un atto di insicurezza mascherato da precisione.
L’autore teme che il lettore non “veda” abbastanza e allora aggiunge:

  • un oggetto dopo l’altro
  • un aggettivo dopo l’altro
  • una frase che spiega ciò che la precedente aveva già mostrato

Il risultato?
Il lettore capisce, ma non sente.

La descrizione lunga è statica. L’atmosfera è dinamica.

Il problema non è descrivere, ma descrivere tutto

Descrivere è necessario.
Descrivere tutto è letale.

Ogni ambiente ha decine di elementi possibili, ma solo pochi sono narrativamente vivi.
Gli altri sono rumore.

L’atmosfera nasce quando scegli un dettaglio giusto, non quando elenchi quelli possibili.

Un corridoio può essere descritto in dieci righe.
Oppure può vivere in una sola immagine:
una luce tremolante, un odore stantio, un rumore che non dovrebbe esserci.

L’atmosfera è legata al punto di vista

Altro errore comune: descrivere un luogo come se fosse una fotografia neutra.

I luoghi non sono neutrali.
Cambiano in base a chi li attraversa.

Un ambiente visto da un personaggio spaventato non va descritto come lo vedrebbe un personaggio tranquillo.
L’atmosfera nasce dal filtro emotivo, non dalla precisione geometrica.

Se togli il personaggio dalla descrizione, stai scrivendo arredamento.
Se lo lasci dentro, stai creando atmosfera.

Quando il lettore si annoia

Il lettore si annoia quando:

  • capisce dove sei, ma non perché dovrebbe importargli
  • legge dettagli che non producono conseguenze
  • percepisce che la scena è ferma

La noia non nasce dalla lentezza, ma dall’assenza di tensione.

Un testo può essere lento e magnetico.
Può essere veloce e vuoto.

Una regola semplice (e scomoda)

Se una descrizione:

  • non modifica lo stato emotivo del personaggio
  • non anticipa un conflitto
  • non lascia una traccia sensoriale

probabilmente è superflua.

L’atmosfera serve alla storia.
La descrizione lunga spesso serve solo all’autore.

Atmosfera significa far sentire, non far vedere tutto.
Significa fidarsi del lettore.
Significa scegliere, tagliare, rinunciare.

Scrivere bene non è dire di più.
È dire esattamente ciò che basta perché il lettore completi il resto da solo.

Ed è lì, in quello spazio non scritto, che nasce la vera atmosfera.

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Il mio nuovo Manuale di Scrittura Creativa Avanzata: un viaggio dentro la narrativa

su da Claudio BLascia un commento

Ci sono libri che si scrivono perché “servono” e libri che si scrivono perché diventano inevitabili.
Il Manuale di Scrittura Creativa Avanzata – Per scrivere narrativa appartiene alla seconda categoria: nasce da anni di studio, pratica, errori, riscritture, letture e confronti con altri autori e autrici. È, in qualche modo, il distillato del mio percorso narrativo.

Non è un manuale teorico.
Non è un insieme di regole astratte.
È uno strumento pratico, costruito per chi desidera davvero migliorare la propria scrittura e affrontare la narrativa con mentalità professionale.

Un manuale pensato per chi scrive davvero

In queste pagine troverai ciò che ogni autore, soprattutto agli inizi, vorrebbe avere tra le mani:

  • come sviluppare una storia in modo solido
  • come costruire personaggi tridimensionali
  • come lavorare sulle scene, sul ritmo e sulla tensione narrativa
  • come utilizzare il linguaggio in modo più consapevole
  • come evitare gli errori che, spesso, frenano chi inizia
  • come impostare davvero un romanzo
  • come ragionare da scrittore e non solo da appassionato

È un libro diretto, concreto, senza fronzoli.
Un compagno di viaggio, più che un docente.

Un percorso che continua: contenuti esclusivi in arrivo

Il manuale è solo il primo passo.
Tra pochi giorni sul mio sito ufficiale comparirà una nuova sezione dedicata interamente agli strumenti pratici per chi scrive.

📚 www.claudiobertolotti83.net

Lì troverai documenti inediti che sto preparando: schemi, tabelle, impostazioni di capitolo, risorse tecniche e materiali utili per ogni fase della scrittura creativa.
Saranno disponibili singolarmente e, più avanti, anche in bundle con il manuale, per chi desidera una guida completa e strutturata.

Un ringraziamento

Questo progetto esiste grazie alla fiducia di chi mi legge, di chi segue i miei romanzi, le mie analisi, i miei studi.
Ogni pagina nasce da un dialogo continuo con voi.

Il manuale è disponibile su Amazon:
🔗 https://amzn.eu/d/7wdsuyp

Il viaggio nella scrittura continua.
E questa volta, più attrezzati che mai.

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